Les artistes féminines ont la cote!

Les femmes artistes les plus recherchées sur Barnebys, le plus puissant moteur de recherche spécialisé dans les objets d’art, sont Louise Bourgeois, réputée principalement pour ses sculptures monumentales, et Cindy Sherman, photographe et réalisatrice connue pour ses portraits conceptuels.

Barnebys, qui travaille en collaboration avec 1600 maisons de ventes partenaires et qui attire 1,5 million de visiteurs chaque mois, est un outil précieux pour sonder les évolutions du marché de l’art. Le programme de recherche de Barnebys vise à fournir des données fiables sur ce marché. Il permet, pour de très nombreuses catégories d’objets collectionnés, de suivre les tendances mondiales et nationales.

Grâce à son importante base de données de recherches et de prix réalisés, Barnebys est aujourd’hui en mesure de l’affirmer : la cote des artistes féminines est en pleine croissance. 

Pendant des siècles, les femmes ont surtout été les muses de nombreux génies artistiques, peu d’entre elles parvenaient à être reconnues comme artistes elles-mêmes. Picasso, Monet, Van Gogh, de Vinci, Rembrandt, Dürer, Dali… Jusqu’au 19e siècle, les femmes artistes peinent à exister au milieu de ces grands noms masculins de l’Histoire de l’Art. Progressivement, grâce à l’ouverture des écoles d’art, l’affirmation de l’égalitarisme et l’émergence d’un marché de l’art, elles atteignent enfin la reconnaissance qui leur est due.

Les dix femmes ayant joué un rôle majeur dans l’évolution de l’histoire de l’art

Élisabeth Vigée Le Brun (1755-1842)

Elisabeth Vigée Le Brun est encore considérée comme l’une des meilleures portraitistes de son temps. Au moment où les femmes commencent à peine à pouvoir rejoindre à l’Académie (chargée de la régulation et de l’enseignement de la peinture et de la sculpture sous l’Ancien Régime), elle est déjà le peintre favori de la reine Marie-Antoinette et de sa cour à Versailles. Elle acquiert alors une célébrité mondiale et son manoir devient un endroit très couru des Parisiens à la mode.

Mary Cassatt (1844-1926)

Peintre et graveur, l’américaine Mary Cassatt est une figure majeure du mouvement impressionniste. Plus portraitiste que peintre de paysages, elle partage avec Degas, Pissarro et Morisot un goût pour la peinture en extérieur, ainsi qu’un sens de la couleur et la recherche d’un certain réalisme. En 1882, le décès de sa sœur marque un tournant dans sa carrière : les enfants et les mères deviennent alors son sujet favori. En 1890, après avoir visité une exposition d’estampes japonaises, elle se passionne pour cet art. Sa maîtrise technique de la gravure à l’eau-forte suscitera l’admiration de ses collègues. En 1904, elle reçoit le Prix Walter Lippincott pour sa toile Caresses, mais elle le refuse par esprit d’indépendance. En revanche, elle accepte la Légion d’honneur, qu’elle se voit remettre cette même année.

Camille Claudel (1864-1943)

La vie de la sculptrice Camille Claudel est mouvementée. Durant dix ans, elle vit une histoire d’amour passionnée avec le sculpteur Auguste Rodin (1840-1917). Partenaires en art, ils créent ensemble plusieurs œuvres, notamment Le Baiser (1886). Malgré leur rupture, Claudel inspirera Rodin durant toute sa vie, celui-ci ne mettant jamais en doute son génie artistique. Les sculptures de Claudel sont novatrices. Elle sait capturer comme peu d’autres l’intensité du mouvement. Après un avortement illégal en 1892, elle sombre progressivement dans la dépression et décède dans un asile à Montfavet (Vaucluse). Elle est aujourd’hui considérée comme l’un des plus grands sculpteurs du XXème siècle.

Gertrude Stein (1874-1946)

L’Américaine Gertrude Stein est plus connue en tant que collectionneuse d’art que pour ses talents d’écriture. Amoureuse de la France, elle vit à Paris, où elle fait figure d’ambassadeur de l’art moderne, en particulier de Picasso et des cubistes. Compagne d’Alice B. Toklas durant près de quarante ans, Gertrude Stein constitue l’une des plus grandes collections de son temps. Son talent pour repérer les jeunes peintres est exceptionnel. Matisse, Picasso, Picabia, Balthus… Des toiles de tous ces génies sont accrochées dans l’appartement de Gertrude, au 27 rue de Fleurus, à Paris.

Coco Chanel (1883-1971)

Coco Chanel, dont les créations monochromes ont révolutionné la mode, est un symbole de l’élégance française. Elle débute en travaillant dans des ateliers à Paris, Deauville et Biarritz, puis dessine ses propres modèles qu’elle porte en public lorsqu’elle en a l’occasion, ce qui lui vaut de se faire rapidement remarquer pour son talent. Ses dessins diffèrent sensiblement des robes traditionnelles portées à cette époque par les femmes. Jouant avec les codes féminins et masculins, Chanel crée des vêtements confortables, élégants et pratiques, qu’elle orne d’étonnants accessoires. Aujourd’hui, la maison Chanel reste connue dans le monde entier pour ses vêtements à la coupe classique, ainsi que pour sa joaillerie expérimentale et ses sacs à main.

Suzanne Belperron (1900-1983)

Suzanne Belperron est l’une des figures les plus importantes de l’histoire de la joaillerie française. Elle dessine pour la Maison Boivin des pièces très féminines et sensuelles. Elle utilise beaucoup de pierres précieuses dans ses créations (citrine, péridot, améthyste) et des bijoux multicolores. Ses bijoux créés pour Boivin sont rarement signés. « Mon style est ma signature, » explique-t-elle. Inspirée par la nature et les cultures étrangères, Belperron joue de ces influences. Ses bijoux deviennent rapidement la touche de luxe qui sublime les tenues dessinées par les plus grands couturiers.

Frida Kahlo (1907-1954)

Artiste peintre, Frida Khalo est l’une des plus grandes figures de l’art mexicain du XXe siècle. Victime de la poliomyélite à l’âge de 6 ans, Frida Kahlo souffre d’un accident qui la cloue au lit durant plusieurs mois. C’est alors qu’elle commence à peindre une série d’autoportraits en s’aidant d’un miroir placé au-dessus de son lit. Vivant au Mexique au sein d’une société très patriarcale, elle produit une œuvre surréaliste qui reflète son désir de liberté et de voyages, mais aussi sa frustration de ne pas pouvoir enfanter du fait des nombreuses interventions chirurgicales qu’elle a subies. Frida Kahlo extériorise ses souffrances à travers ses peintures, combattant sans relâche la vie âpre qui aura été la sienne.

Louise Bourgeois (1911-2010)

Louise Bourgeois est une artiste française connue pour ses sculptures monumentales. Non affiliée à un mouvement spécifique, elle aborde les problématiques propres aux femmes sur la base de son expérience personnelle. Elle travaille en particulier sur les concepts de la relation mère-fille, du rôle du père et de la maternité. De manière presque thérapeutique, Louise Bourgeois reflète son enfance dans ses œuvres. Pour Louise Bourgeois, la création est une question de survie. « L’art nous garde sains d’esprit », explique-t-elle.

Diane Arbus (1923-1971)

Diane Arbus est une photographe américaine célèbre pour ses portraits. Elle découvre la photographie et créé son propre style afin d’immortaliser les personnes de son époque en marge de la société. Transgenres, jumeaux handicapés, nains … Quiconque sort de l’ordinaire suscite son intérêt. Grâce à elle, le public découvre la grande diversité de la population américaine. À la fois très admirée et très critiquée au cours de sa vie, Diane Arbus laisse en héritage sa vision de l’humanité.

Marina Abramovic (1946-)

La Serbe Marina Abramovic n’est comparable à aucun autre artiste, elle est pionnère en matière de performance artistique. Par son art de la performance, elle repousse les frontières de la physicalité, utilisant son propre corps comme un outil de création artistique dont elle se teste les limites. En 2012, au MoMA, elle reste assise sur une chaise, sept heures par jour et six jours par semaine, pour des face-à-face silencieux avec les visiteurs. Cette performance artistique, qui dure plus de 700 heures au total, est une des plus longues jamais réalisées. Marina Abramovic conçoit la performance comme un moyen de communication avec le monde extérieur.